모든 것은 크로키로 시작된다. 흰 종이 위를 그리는 연필선 하나, 자수 장식 블라우스나 모델의 도톰한 입술 위를 지나는 컬러 터치와 함께. 노트 위에 의상의 곡선과 드레이프를 드로잉하는 패션 디자이너의 작업 방식과 마찬가지로, 브리짓 니데르마이르는 자신의 사진을 손으로 구상한다. 그녀의 스케치는 이미지로 다가서는 서막이자, 첫 번째 경유지와도 같다.

포토그래퍼는 리졸리(Rizzoli) 출판사에서 발간하는 이번 신간²을 통해, 자신의 창작물이 탄생하는 과정을 공개한다. 그 매혹적인 여정은 디테일에 관한 그녀만의 폭넓은 취향을 드러낸다. 대칭과 실루엣, 세트 디자인과 컬러 팔레트, 꾸뛰르 자수와 드레스 핏까지, 모든 요소는 철두철미한 연구를 거쳐 결정된다.

시적인 스케치와 정교한 콜라주, 그리고 의상 그 자체를 아우르는 이 사전 작업은 곧 사진 촬영으로 이어지며 가장 상징적인 작품들을 탄생시킨다. 한눈에 알아볼 수 있는 그 간결함의 예술은 꾸뛰르에서 뷰티, 주얼리까지 디올 하우스의 다양한 세계를 눈부시게 조명해 왔다. 이 독보적인 아티스트의 다채로운 재능에 일찍이 매료된 마리아 그라치아 치우리는 2016년 디올에 합류한 이후 매 시즌 “하나의 이미지를 얻기 위해 투쟁하며”, 우아함과 미묘한 도발로 디올의 여성복과 그 안에 담긴 탁월한 노하우를 포착하고자 매진하는 이 포토그래퍼와 특별한 대화를 엮어 나갔다.

그렇다면 ‘평범을 거부하는’ 프레임 구성과 연출에 대한 아이디어는 어디에서 영감을 받는 걸까? 르네상스 시대의 회화, 무슈 디올의 아카이브, 미국 사진작가인 어빙 펜(Irving Penn), 로버트 메이플소프(Robert Mapplethorpe)를 필두로 한 전설적인 패션 사진들, 초현실주의, 그리고 앙리 마티스(Henri Matisse)의 그림들과 스탕달(Stendhal)의 소설까지, 그녀의 레퍼런스는 다양한 분야를 가로지르며 무궁무진하게 펼쳐진다.

실제로 아티스트는 사회적인 속박에서 벗어나기를 좋아한다. 그녀는 18살에 뮌헨의 미술 아카데미에 입학했지만, 그 경험은 짧게 끝나고 말았다. “전 30분 만에 강의실에서 나왔어요. 모두가 슬퍼 보였거든요. 내 안의 목소리가 이렇게 얘기했어요. ‘도망쳐, 당장 여기서 나가.’” 브리짓 니데르마이르에게 진짜 삶은 다른 곳에 있었다. 그녀는 사진 장비를 짊어지고 티롤(Tyrol) 산맥을 등반하며 자신만의 안목과 독특한 관점을 천천히 키워나갔다. 그로부터 2년 후, 1990년대에 접어들 무렵, 밀라노에 자리를 잡은 그녀는 열광적인 패션계와 만나게 되었다. 절제되고 차분한 그녀의 사진 스타일은 그 격정적인 분위기와는 극명한 대조를 이루었다. 그녀는 젊은 시절부터 사용해 온 필름 카메라를 끝까지 놓지 않았고, 디지털카메라의 붐에 굴복하지 않을 것을 스스로 다짐했다.

브리짓 니데르마이르는 지난 10년간 디올 크리에이션들을 언제나 같은 방식으로 촬영하고 그 매력을 극대화해 왔다. 사전 스케치에 녹아 있는 자신만의 감성을 간직한 채, 그녀는 조심스럽게 대형 카메라로 몸을 숙인다. 명확한 비전 아래 그녀는 셔터를 누른다. 카메라 셔터음은 마치 “허공을 가르는 사무라이의 칼”처럼 날카롭다. 필름에 담긴 사진은 결정적이다. 브리짓 니데르마이르는 프레임 편집을 추가로 하지 않기 때문이다. 한 번 촬영된 사진은 지울 수 없는 흔적처럼 영원히 남는다. 강렬한 역설과도 같이, 그녀는 이미지의 한정된 프레임 속에서 자유를 품는다. 절대적인 것을 향한 이러한 열망은 “잘 재단된 드레스는 최소한으로 재단된 드레스입니다.³”라는 크리스챤 디올의 철학과 그 결을 같이 한다.